En una segunda clase magistral, Berriatúa nos habló de otra de sus grandes pasiones: el cine de animación. Desde edad muy temprana fue un gran admirador de las películas de Disney. En opinión de Berriatúa, Walt Disney era masón y toda su obra es masónica. Esos valores sectarios, que parecen tan trasnochados, en sus películas no tienen el mismo significado bajo la luz de la masonería. El cine de Disney no es un cine muy religioso. Berriatúa considera que la película “101 dálmatas” (1961) es una obra maestra absoluta.

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Tanto es su interés por este filme que ha escrito un libro sobre él, aún no publicado. Según Berriatúa hay que preguntarse: ¿cómo consigue este filme trastocar la relación espectador-película?

Si pensamos un poco, vemos que el protagonista de la misma es un perro que vive entre humanos. ¿Cómo se consigue identificar al espectador con un perro? Veamos el proceso argumentativo de Berriatúa: el dueño del perro no tiene interés por las mujeres, ni deseos sexuales, solo toca el piano. El perro es el que ha de buscar pareja no solo para él sino para su amo y por ello mira insistentemente por la ventana. Los colores de las perras que aparecen son los que nos producen atracción o rechazo. Hay una perra que destaca: blanca y con lunares, es decir, una dálmata. Lo mismo se hace con Anita destacándola del fondo e incorporándole una luminosidad mayor que la de su perro. La luz juega un papel vital en destacar el rostro y, de la misma forma, un golpe de luz en el suelo centra la atención en la perra. Si alguien cambia el color cambiará la función de la imagen porque el color y la luz son elementos hipnóticos para el espectador. Con este truco basado en la Teoría de la Gestalt (forma), Disney juega con el hecho de que la percepción es, en primer lugar, una visión de conjunto organizado y no la suma de los detalles.

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Según Berriatúa, la lógica del cine es crear elementos que dirijan la mirada (centrada en la idea de que el espectador es un voyeur). La validez de este truco consiste en saber ‘guiar la mirada’ y para conseguir esto Berriatúa nos aclaró aspectos cinematográficos como la importancia de los círculos de luz para atraer la mirada, a veces no son círculos sino pentágonos o trapecios, que Disney utiliza a la perfección.También hizo hincapié en los ‘círculos de sombras’ (dan profundidad y hacen que el espectador penetre en la escena) y en los cambios de encuadre y, naturalmente, en las bandas oscuras laterales y en el contraluz de los personajes. La mayor parte de las veces la tensión dramática se encuentra en las diagonales. Otro tema de gran importancia es que el espectador siempre mira a los ojos de los personajes por eso la cámara ayuda a llevar al espectador a los ojos. A veces existen varios puntos de atracción de la mirada y esto crea tensión en el espectador (ojos de Cruella de Vil, perrillos en negro; creando claros contrastes como focos de atención). Según Berriatúa, el modelo de Disney está tomado de los grabados realizados por Gustavo Doré para “Orlando Furioso” porque la utilización de la luz y las sombras que se hace en ellos son conceptos muy utilizables en el cine. En muchas ocasiones, una subida de tono de color en la misma escena da sentido dramático. Lo curioso es que esto en televisión no funciona, se necesita una sala grande. Las obras clásicas de Disney están rodadas en nitrato y, por tanto, es muy importante restaurarlas y preservarlas con la mayor aproximación al original.

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Con referencia al cine de animación español, Berriatúa destacó a la productora barcelonesa Balet y Blay como una de las pocas con la suficiente valentía como para abordar la producción de cine de animación en esos tiempos de autarquía y de aventurarse a tratar de imitar a la industria norteamericana en este campo pese a la carencia de medios. El filme “Garbancito de la Mancha” (1945) dirigido por Arturo Moreno (una adaptación del cuento de Julián Pemartín), está considerado como el primer largometraje de animación realizado en España y el primero de Europa en color. Este mismo cineasta dirigió, también, “Alegres vacaciones” (1948) una mezcla de dibujos e imágenes reales que pretendía ser un retrato turístico de la España de la época. Estos filmes estuvieron apoyados por el régimen franquista.

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En este contexto surge una película titulada “Érase una vez” (1950) cuya financiación partió de la Productora Estela Films, una compañía catalana, radicada en Barcelona, que le dedicó toda su infraestructura para darle un lado político y reivindicativo a la película (independentismo, bailes populares) y así mandar un mensaje de catalanismo que consiguiera burlar a la censura franquista. “Los sueños de Tay-Pi” dirigida por Franz Winterstein (1952) es otro de estos primeros largometrajes animados. Se trata de una  película convertida en una sucesión de números musicales que resultó un auténtico fracaso comercial pero el filme, según Berriatúa, contiene elementos valiosos. Después de este sonado descalabro se produjo en España un vacio en la producción de largometrajes de animación.

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ÉRASE UNA VEZ

(La cenicienta española de Estudios Chamartín, 1950).

Se trata de una adaptación libre del cuento “La Cenicienta” de Charles Perrault producida por Josep Benet y Jordi Tusell (catalanes convencidos). El director artístico fue Alexandre Cirici-Pellicer que diseñó el vestuario a partir de pintores del Renacimiento estableciendo, así, una interesante conexión entre pintura renacentista y animación. El director de animación  fue José Escobar (el creador de Zipi y Zape y de Carpanta), la música correspondió a José Ferrer y Tito. Existió una batalla legal con Walt Disney por el título de La Cenicienta. El litigio se resuelve a favor de Disney que había inscrito el nombre con anterioridad a que lo hiciera Estudios Chamartín y era válido para todas las lenguas occidentales. De ahí el cambio de título a “Érase una vez”. El filme obtiene una mención especial en la XI edición de la ‘Mostra’ de Venecia como mejor película infantil. En España recibe el máximo apoyo oficial: el de “interés nacional”, otorgado el 5 de octubre de 1950. Apoyando el lanzamiento, la editorial Fher sacó al mercado un álbum de cromos al precio de 2 pesetas que hoy alcanza tasaciones prohibitivas en las subastas. Este álbum da una vaga idea de la película debido a que los cromos están realizados a partir de fotografías en blanco y negro.

Luciano Berriatúa está empeñado, ahora, en una labor de restauración que podría devolvérnosla con sus colores originales (película realizada en nitrato y con un sistema de color complicadísimo) a partir de materiales originales de la película “Erase una vez” (1950). La Filmoteca de Cataluña se está esforzando en poner los medios necesarios para la recuperación. Como ya hemos visto anteriormente, su trabajo de investigación sigue un complicado proceso: (1) localización de materiales (copias de la época o el negativo de la película, álbum de cromos de Fher (unido a su obsesión personal por encontrar los archivos de esta casa editorial), una copia de la película en 16 mm a partir de otra en 35mm realizada para ser proyectada en colegios y centros religiosos, visitar filmotecas y seguir cualquier clase de pista (búsqueda de fotogramas sueltos que se vendían en los kioscos, fotografías de bailes catalanes) porque, según Berriatúa, todo lo encontrado vale. (2) Reconstruir desde los pequeños fragmentos de color hasta conseguir un dibujo nuevo. Para este fin es de gran utilidad la herramienta informática Photoshop que, unida a mucha paciencia y tiempo, permite  afrontar la reconstrucción de cientos de miles de dibujos. Luego hay que estudiar los pigmentos transparentes que se utilizaban en los acetatos para hacer veladuras, etc. Esta fase es muy técnica y de una terminología especializada y precisa (densidad del color, acoplar colores a los fondos, corrección del color, equilibrado del color, temperatura de color (para el rojo y el azul), etc. Todo el proceso de ajuste, corrección y homogeneización de los valores lumínicos, cromáticos, de contraste y de enfoque de la obra cinematográfica es lo que recibe el nombre de ‘etalonaje’ (3) Restauración de la imagen (4) restauración del sonido (5) analizar las pérdidas del paso a 16 mm. Y, muy importante, estudiar los métodos de trabajo de los animadores de la época (rodaban con un actor de verdad y luego lo calcaban, etc.) Digno de estudio es, también,  el procedimiento seguido en el rodaje: volver a colocar acetatos que se repetían o manipular capas por separado.

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Como vemos este proceso es de auténtico especialista en animación. Berriatúa, nos mostró cómo algunos de sus avances eran fruto del azar y de la suerte. Nos relató la visita que realizó a la casa de la viuda de Josep Benet (el productor). Esta visita resultó de singular importancia. La viuda tenía guardados dibujos originales, fotogramas en rollitos y, algo fundamental, una carpeta azul conteniendo los fondos originales. En cuanto a las referencias pictóricas renacentistas consiguió establecer acertadas relaciones de estos fondos originales con pintores de quattrocento italiano como Vittore Carpaccio y Benozo Gozzoli.

Problemas de la restauración comercial

Visionamos dos documentales sobre restauración comercial: “Restoring Bambi” (2005) nos habla del paso a digital del original de 1942. Este documental forma parte de una campaña publicitaria orquestada cuyo leitmotiv es vender DVDs. Se hace saber al público que los originales estaban rodados en peligrosos nitratos y de que corren peligro. Que el sonido era monoaural y ahora ha sido pasado a digital 5.1 por lo que la banda sonora tendrá una calidad nunca lograda. Luego explican el proceso de restauración: (1) se inspecciona el filme fotograma a fotograma para descubrir agujeros en la corona dentada, rasgaduras, ralladuras y malos empalmes (2) Se usa una habitación impoluta de polvo y suciedad para escanear la película en alta resolución fotograma a fotograma (3) los filmes rodados en cinemascope y tecnicolor (tres colores) son escaneados tres veces, una en cada color (4) Se procede, a continuación, a un proceso de limpiado usando un software específico para eliminar la suciedad y las imperfecciones (5) finalmente se examina el filme fotograma a fotograma y un operador elimina todos los defectos restantes. Eso sí, manteniendo siempre la integridad artística de la película. Una vez limpiado el filme, los técnicos comienzan el proceso de corrección del color incluso pintando sutiles ajustes a los tonos. La conclusión final que se vende es que el trabajo realizado ha sido fenomenal, tanto en las texturas como en la imagen, que todo el filme ha sido liberado de polvo, suciedad y ralladuras. Y no queda ahí la cosa, se recalca que se han obtenido colores brillantes de una extraordinaria calidad. Y como eslogan de salida se deja bien claro que con esta restauración se asegura a las futuras generaciones la contemplación de esta maravillosa película que ha sido mejorada no solo en sonido sino en imagen a unos niveles jamás logrados con anterioridad. Ahora va a ser editada en un extraordinario DVD platinum para su personal disfrute, no se olvide de pasar por caja.

Berriatúa nos pregunta si realmente esta restauración es fiel al original, si es lícito imitar los fondos. Comenta que un tema capital es la necesidad primigenia de salvar el original antes de escanearlo y que desde un punto de vista comercial se restaura a lo loco porque el mismo software que elimina el polvo y sus brillos puede hacer desaparecer notas emotivas en una mirada o en una sonrisa. Se restaura buscando los intereses comerciales y económicos.

El segundo documental es: “Gone with the win-Restoring a legend” de Robert Hummel. Se trata de restaurar  tecnicolor, es decir, tres colores. Esto significa que hay tres bandas diferentes que pueden tener problemas de alineación. Se necesita, por tanto, un software de alineación. Otro software que trabaje en la delimitación de los  bordes trabajando desde el centro del fotograma hacia sus orillas. Hay que conseguir el paso de monoaural a estéreo 5.1, etc. Lo más interesante de todos estos DVDs es la gran información que pueden aportar al restaurador-investigador en los bonus extra que se incluyen en ellos.

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Para finalizar esta clase nos mostro alguno de los cortos de animación realizados por él mismo como: “El método del doctor alquitrán y el profesor pluma” basado en una novela de Edgard Allan Poe sobre la visita de un inspector de hospitales psiquiátricos (cuenta con la voz de Paul Naschy, el famoso hombre lobo español). El protagonista es un personaje que llega a un estado policial, como es un manicomio, en el cual los que tienen el poder son los internos, los locos. Han convertido a los celadores en bestias y los han encerrado en un sótano. Se trata de representar ese manicomio como un mundo en el que cada cual hace lo que quiere hasta que aparecen fuerzas hostiles y agresivas: los celadores encerrados que,  al conseguir escapar, producen amargura, violencia y represión (son símbolos del fascismo).

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